Gen NEXT 2016

broncolor lanza el concurso en línea de Gen NEXT 2016. A través de su programa Gen NEXT, broncolor está buscando a jóvenes fotógrafos con talento y con un talento excepcional y una visión creativa para convertirse en embajadores Gen NEXT.

Para ser considerado, aspirantes a fotógrafos necesitan compartir su trabajo más inspirador subiendo un máximo de tres imágenes de cualquier campo de la fotografía a la página web oficial del concurso. El concurso está abierto a las comunicaciones de los fotógrafos de todo el mundo que están por debajo de los 30 años de edad y que estén tratando de impulsar su carrera al siguiente nivel. Se ejecutará desde el 15 de enero hasta el 2 de marzo de 2016 y los ganadores serán anunciados el 21 de abril.

Los seleccionados como embajadores Gen NEXT serán equipados con equipos broncolor por un valor de USD 24,000.00. Como parte del programa que dura dos años, su trabajo será exhibido en gennext.broncolor.com, lo que les permitirá llegar a un público global, así como proporcionar un gran impulso para sus carreras. El trabajo de los embajadores y más se podrán seguir en el blog. Aquí van a compartir sus “behind the scenes”, secretos de su trabajo, así como proporcionar tutoriales sobre diversos aspectos de la fotografía creativa. Los embajadores también representarán broncolor en eventos seleccionados y recibirán valiosas aportaciones y apoyo durante todo el programa.

El programa Gen NEXT fue lanzado con éxito en mayo de 2014 y actualmente cuenta con diez jóvenes fotógrafos destacados de diversos campos de la fotografía. A través de su trabajo inspirador, ya han recibido considerable atención mundial, y están liderando el camino hacia adelante con su trabajo.

La primera generación de embajadores de la Gen NEXT que ha sido parte del programa desde su lanzamiento en 2014, ya está viviendo las oportunidades que ofrece Gen NEXT: Lara Jade (EE.UU.), Benjamin Von Wong (CAN), Dustin Snipes (EE.UU.), Jason Jia (CHN) y Manuel Mittelpunkt (GER).

Ellos fueron reforzados en 2015 por la segunda generación de fotógrafos, Anita Anti (UKR), Lauri Laukkanen (FIN), Yulia Gorbachenko (EE.UU.), Gonzaga Manso (ESP) y Cristina Otero (ESP), quienes lograron diferenciarse entre los mejores del mundo.

Para más información o para descubrir quiénes seguirán los pasos de GenNEXT visita gennext.broncolor.com y sus canales de redes sociales: Facebook, Instagram, Twitter, Youtube y Google Plus.

Estamos abiertos!

Fotex Panamá está muy orgulloso de introducir Studio Light Pro, un espacio multi funcional dedicado a la fotografía profesional.

Nuestros servicios y productos incluyen:
– Venta y alquiler de equipos de iluminación BRONCOLOR, marca Suiza número 1 en el mercado mundial, sobre la cual tenemos distribución directa y exclusiva en Panamá. Contamos con garantía de dos años y servicio técnico local.
– Workshops de fotografía, post-producción y de iluminación con sistema BRONCOLOR.
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LARA JADE: creando producciones de moda coherentes

Las historias de moda de éxito son las que fluyen en la continuidad: uniendo el vestuario, la locación, las poses, la iluminación y el concepto. Una gran parte del rompecabezas es el equipo creativo (estilistas de cabello, maquillaje y vestuario) y elegir a las personas adecuadas para el trabajo, pero hay muchos otros factores que debes tener en cuenta al armar una producción de fotografía de moda. Cuando hice esta sesión editorial para Elle Singapur, la planificación fue la clave para crear una historia coherente.

Al planificar una sesión me gusta estar involucrada con el estilo, sobre todo cuando se trata de elegir el vestuario. Yo trabajo con mi estilista mientras él/ella habla con varias salas de exposición y ellos me mantienen informada sobre lo que está disponible.

Confío en mi equipo creativo para que produzcan basándose en la inspiración, conceptos e ideas que les he dado. Mi expectativa es que traigan sus propias ideas a la mesa también; es un proceso de colaboración, después de todo. Sin embargo, con el fin de mantener la continuidad en una sesión fotográfica de moda, el equipo debe estar de acuerdo con las ideas, ya sea en pelo/maquillaje, estilo, y en ciertas sesiones también la elección de la ubicación, los accesorios y el casting de modelos.

Hacer esto antes de tiempo me da una idea de cómo la sesión puede fluir y me permite seguir adelante y decidir sobre locaciones, estudios y casting. No todas las sesiones funcionan en este orden, sin embargo, por ejemplo, a veces un cliente te contratará para producir una sesión editorial o una campaña cuando ya ha terminado la producción. En este caso, me da tanta información sobre la sesión como sea posible: tableros de inspiración, ideas visuales, referencias de iluminación, y las posibles opciones de vestuario. Al hacer esto, puedo hacer la historia tan coherente como sea posible en el día de la sesión a través de la iluminación, las poses y el flujo global de la historia que desea el cliente.

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Iluminación y poses también son elementos clave en crear continuidad en una historia de moda: ambos tienen que enlazar con la historia que estás tratando de crear y resaltar el vestuario, no distraer la atención sobre el mismo. Las poses siempre deben complementar el estilo: si estás produciendo una historia para fines editoriales con vestidos que fluyen y tul, por ejemplo, agrega movimiento y mantén esa idea en las demás tomas. La vestimenta es clave. Piensa en el héroe de tu toma: ¿es el maquillaje, las joyas o la vestimenta? ¿Qué tipos de poses e iluminación son más apropiadas para mejorarla?

Como en todo, hay excepciones cuando se trata de fluir en las historias y algunos de los fotógrafos más exitosos saben cómo romper las reglas (por ejemplo, mediante la mezcla de locaciones, diferentes temas y la mezcla de trajes entre una toma y otra. Funciona para ellos porque saben cómo vender su idea. Ellos entienden su público y por qué funciona para ellos. La práctica es la clave. Cuando muchos fotógrafos de moda comienzan, el mayor error que cometen es estar demasiado entusiasmados y tener demasiadas ideas y no entender la correlación entre todos los elementos de una producción de este tipo. Las imágenes editoriales deben fluir sobre las páginas de la revista y no sentirse desplazadas. Una de mis reglas a la hora de elegir qué imágenes utilizar en un diseño editorial es que si una imagen se siente fuera de lugar, por lo general lo es. Tener enfoque es importante.

Recuerda: si una historia de moda no tiene ningún tema/concepto o una historia obvia, el fotógrafo tendrá dificultades para crear una serie de imágenes que estén correlacionadas. Al final, lo que resulta de esto es la confusión del espectador o cliente. Ya sea que estés creando historias editoriales divertidas o campañas/catálogos para marcas de moda, el mensaje tiene que ser claro. Finalmente, el objetivo final es vender vestimenta y/o un estilo de vida, no importa si la historia que cuentas es real o una fantasía.

TIPS

– Planifica un tema general o historia.
– Utilice las tendencias actuales para inspirar el styling de peinado/maquillaje.
– Crea un guión gráfico para orientarte en la sesión.
– Consigue un estilista con experiencia: que entiendan cómo mantener la vestimenta coherente. Si tú mismo te encargas del styling, debes estar al tanto de las tendencias actuales de la moda.
– Piensa en la relación entre modelo, el vestuario y el tema.
– Planifica tu iluminación alrededor de la historia y el vestuario. ¿Mejora el concepto de la sesión o la distrae?
– Planifica tu locación alrededor del tema general. ¿Cómo se relacionan con la historia el tema y el vestuario?
– Las poses deben mejorar el tema, no distraerlo. ¿Cómo impactan las elecciones de poses en la emoción o el mensaje?
– Utilice accesorios o ambientes para crear interés visual y enriquecer el relato en el estudio.

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CREDITOS:

Modelo: Anja Konstantinova @ Premier London
Styling: Ozzy Shah @ Carol Hayes
Make Up: Marco Antonio
Cabello: Craig Marsden
Retoque: Ashlee Gray

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